Как писать кожу человека маслом

Обновлено: 22.04.2024

Продолжаю изучать живописные техники при помощи процесса копирования. Сегодня за образец беру работу американского художника Даниэла Герхартца. Взята работа из его курса "Through the eyes of the artist" .

Считаю, что обучение это всегда хорошо. Несмотря на стаж и накопленные знания, никогда не помешает узнать что-то новое, развить дополнительные навыки. Вот и я сейчас много времени посвящаю самосовершенствованию, так как понимаю, что не достиг еще нужного уровня профессионализма.

Сегодня я покажу пошагово процесс работы над портретом с текстовыми комментариями.

Процесс работы

Итак, начинаю как всегда с создания имприматуры . Жидко разведенной краской. Использую черный, охру . Для чего это нужно делать каждый раз? Потому что работать по чистому, белому холсту не совсем правильно из-за того, что можно ошибиться в создании тональности работы. Определенная тональная подкладка играет роль основы, на которой гораздо легче правильно начинать живопись.

Далее делаю подготовительный рисунок под живопись. Использую натуральный уголь. Намечаются только большие объемы. Почти не показываем детали. Не прорисовываю глаза и тому подобное. Самое главное - определить границы тени и света, общие пропорции. Небольшого количества линий построения вполне достаточно чтобы уже начать работу красками.

Следующий этап. Что мы делаем? Намечаем самые светлые и самые темные места в портрете. Это должно стать тональным камертоном. Далее, когда мы будем прописывать тень и свет, мы всегда должны сравнивать любой мазок с самым темным и самым светлым местом. Точно выверять тональность. Это очень важно! Использую краски, для света-белила с охрой и немного красного, для волос и тени-черный с красным.

Далее продолжаем прорабатывать тень. Держим в голове большие объемы, большие соотношения-свет и тень. Дробить не нужно. В тени на лице использую титановые белила, черный и немного красного, получается такой темно-фиолетовый цвет. Иногда добавляю охру в теплых местах, там где это нужно. Губы прописываю обобщенно, использую немного черного и красный.

Для света в данной работе использую технику изначального замешивания большого количества краски. При этом мы делаем несколько смесей - 1. теплый основной цвет кожи. Используем белила, сиену натуральную и красный. Этот цвет отлично подходит для телесного оттенка кожи. 2. холодные оттенки. Берем белила, немного черного, сиену натуральную. По тону должно быть близко к первой смеси. Отличие только в теплохолодности. 3. фиолетоватые оттенки кожи. Берем белила, немного черного и немного красного. Дальше используя данные смеси пишем световую часть лица. При этом помним о том, что нельзя ни в коем случае потерять общую большую тональность света и тени. Не нужно слишком дробить по тону или цвету.

На следущем этапе уже можно немного прописать детали портрета. Как я уже писал в предыдущих статьях, самая темная часть тени должна быть теплой. На переломах формы обязательно появляется холодный оттенок. Также не забываем о больших объемах. Всегда держите мысль о том, что общее отношение света и тени должно читаться всегда. Далее прописываю фон. Использую белила, черный, охру и немного желтого. Получается сложный зеленоватый цвет.

В завершение дописываю фон, добавляю некоторые детали. Дописываю волосы. Самое главное продолжаем следить за тональными отношениями. Ничто не должно вырываться. Держим большую форму тени света. Также следим за теплохолодностью.

В итоге получился такой портрет. Для себя я научился некоторым важным моментам. Но самое главное, что в данной работе лучше понял, как важно следить за тональностью. Это действительно большая работа! Оценивать и анализировать каждый мазок. Но только так может получится красивая и интересная живопись.

Спасибо, что дочитали до конца! Надеюсь, статья была вам интересна и полезна. Ставьте лайки, делитесь своим мнением в комментариях, подписывайтесь на мой канал. Всем творческих успехов!

Масляные краски – отзывчивый и универсальный материал. А освоить не так сложно, как может показаться сначала. Правильное использование цвета и фактуры масла позволяет воплощать идеи именно так, как хочется. Рассмотрим несколько важных принципов масляной живописи, которые помогут писать лучше.

№1: Мокрая краска склонна «пачкать» белила.

Ждать пока наложенный слой высохнет – долго. В случае с титаном избежать заминок на волне вдохновения поможет использование быстросохнущих белил, к примеру, от Winsor & Newton. Но такая краска плотнее обычных белил, поэтому её понадобится развести тройником или просто растворителем.

№2: Для нанесения тонких линий.

Можно использовать грань пластиковой карты или акриловую краску поверх подсохшего масла.

№3: Предварительная тонировка холста сиеной жженой или другими цветам полезна по многим причинам:

С белым фоном сложнее судить об объемах.
На пленере белая грунтовка может слепить.
Во время спонтанной и быстрой работы сложно покрыть весь холст краской. Поэтому на готовой работе проявляются участки белого фона.
Краска обладает определённой прозрачностью, поэтому цвет предварительной тонировки может повлиять на ощущение готовой работы.
Создание эффектов, к примеру, опавшей листвы, будет менее монотонным.

№4: Масло позволяет накладывать толстый слой краски.

В отличие от акварели или пастели масло позволяет накладывать толстый слой краски, моделируя объем. Импасто на переднем плане вместе с постепенным уменьшением толщины создаст выразительную текстуру выступающих камней, древесных стволов или участков листвы.

№5: Особенности работы с сухой кистью.

Сухая кисть поможет создавать множество текстур и эффектов за счет пропусков в мазках. Короткие мазки образую выразительную листву или пену на воде, а плавные линии – древесную кору.

№6: Создаём мягкий переход цвета.

Вернувшись к уже подсохшей работе, можно наложить тонкий слой тройника. Он размягчит верхний часть краски, что поможет создавать мягкие переходы, не смешивая краску.

№7: Смешивание цветов.

Чистые цвета скучны, поэтому лучше их мешать. Несколько легких вариаций одного тона – лучше, чем монотонный участок. Добиться тонального разнообразия в пределах мазка можно, если не полностью размешивать выбранные цвета на палитре.

№8: Создаём эффекты.

Частичная прозрачность цинковых белил пригодится в создании ряда эффектов: воздушной перспективы, мелкой водяной пыли или горной дымки.

Масло – один из классических художественных материалов для рисования портрета. Тем не менее, именно воспроизведение оттенков человеческой кожи представляет наибольшую сложность для начинающих художников. Сегодня мы поговорим о том, как добиться реализма в изображении кожи, не переходя в стилизацию и различные импрессионистские техники.

Смешивание цвета.

При работе маслом особое внимание необходимо уделить светлым сегментам портрета. Рекомендуется светлый тон класть первым: эффект фотореалистичности достигается за счет игры на контрасте, а точность контраста намного легче подобрать относительно светового пятна. Кроме того, осветлять участок рисунка всегда сложнее, чем затемнять. Делая основу светлой, вы создаете светящееся пространство, с которым легко работать; на котором ошибки не прячутся в тени, а заметны сразу.

Для светлого кожного тона вам понадобятся следующие краски:

Смешивайте их в разных пропорциях, добиваясь максимальной равномерности тона. Чтобы сделать общий цвет холоднее (например, для кожи у висков, запястий и т.д.) добавьте немного голубого на палитру и тщательно перемешайте с образцом основного цвета. Для румянца, освещенных областей добавляйте желтый и красный.

Обратите внимание: масло при смешивании дает более тёмный цвет, чем исходные краски. Чтобы добиться натуралистичного оттенка, вмешивайте белила до удовлетворительного результата.

Более темные оттенки кожи достигаются за счет добавления в микс пурпурного, сиены натуральной и жженой умбры. Кожа может менять визуальный оттенок за счет времени суток, освещения, окружения и т.д., поэтому экспериментируйте с пропорциями, пока не добьетесь максимально точного воспроизведения тона кожи модели.

Наложение краски

Кожа человека – одна из наиболее гладких и мягких материй, отображаемых в живописи. Чтобы добиться реализма, необходимо уделить особое внимание гладкости портретной части рисунка, мягким цветовым переходам. Существует несколько принципов, позволяющих добиться «эффекта свечения», придающего коже реалистичный блеск:

Смешивание цветов только на палитре. Экспрессия масла выражается в объемных, визуально различимых мазках, переходящих из одного тона в другой. Но на реалистичных портретах такая техника губительна: она старит лицо, добавляет на него ненужные детали. Проверяйте цвета на палитре, чтобы избежать цветосмешения и многократного наложения слоев на холсте. Чем меньше исправлений, тем меньше тон отклоняется от задуманного.
Применение растворителя. Небольшое количество растворителя может помочь нивелировать границу между цветовыми уровнями. Это создаст ровный, гладкий переход, подобный реальным изгибам кожи. Почерпните уголком кисточки-единички небольшое количество растворителя, затем аккуратными мазками зашлифуйте границу между цветами. Если вы используете многослойность, не забудьте добиваться большей прозрачности от каждого слоя, прежде чем добавлять следующий: это создает эффект жизни, заставляет портрет приобретать реалистичный блеск и природную сложность.

Сильная сторона масла – возможность аккуратно воспроизвести любой оттенок. Воспользуйтесь этой особенностью, чтобы воссоздать не только базовый тон кожи модели, но и оттенок на сгибах ладоней (он повторяется на висках и у век), на шее (если шея в тени, повторяется и на других теневых участках). Именно тональные соотношения и фактура добавляют реализма в портреты маслом. Уделите внимание деталям – и вы поймете, что красивая, узнаваемая портретная живопись маслом доступна каждому трудолюбивому художнику.

Часто художники-самоучки или начинающие портретисты задают один и тот же вопрос: как писать портрет человека? Какую краску взять для портрета? Как получить телесный цвет? Как правило, сам рисунок худо-бедно сделать удаётся, некоторые даже самостоятельно прорисовывают, простраивают черты лица, а вот с цветом всё становится совсем непонятным. Так что же делать?

В детстве, ещё до первых академических занятий в художественной школе, мне очень нравилось рисовать портреты: это были члены семьи, друзья и знакомые. Как и все дети, я располагала портретируемого в анфас, пыталась передать “похожесть” в портрете, легко справлялась с цветом лица, фона, одежды, не задумываясь, намешивая его в крышке от банки с краской. Всё это происходило совершенно необдуманно, по наитию, но портреты получались забавные и по-детски милые.

И вот, однажды на уроке ИЗО в школе учительница задала вопрос: “Какого цвета лицо и тело человека?”. Варианты были разные: белого, розового, коричневого. Но до правильного ответа так никто и не добрался. Зато, придя домой после урока, я с гордостью заявила: “А я знаю, какого цвета человеческое лицо ОРХОВОГО!”. Папа долго смеялся, потому, что охровые или охристые оттенки мне ещё не были известны, поэтому буквы так переставились местами. Эта история до сих пор вспоминается у нас, как семейный анекдот. Но всё не так просто, как кажется.

Работа ученицы Татьяны Геннадьевны Репницкой. Учитель: Екатерина Крюкова.

Давайте сравним цвет лица разных людей по национальности, месту проживания, степени загорелости, возрасту, полу и так далее. Неужели они похожи цветом лица? Этот цвет настолько индивидуален и сложен, что для каждой модели портретист намешивает соответствующий цвет отдельно: зеленоватый, рыжеватый, фарфорово-розовый, смугло коричневый, кофе с молоком и так далее. Особое значение также имеет “загорелость” отдельных мест, близость капилляров к коже, качество и цвет румянца и, конечно, рефлексы от одежды и фона, а также, общая цветовая гармония лица, глаз, волос, одежды, освещения и так далее. Как видите, очень много разнообразных нюансов для столь простого обобщения.

Виктория Черемных(ученица) и её работа. Учитель: Екатерина Крюкова.

Работа ученицы Виктории Черемных. Учитель: Екатерина Крюкова .

Посмотрим на живопись портрета, а именно проанализируем, как решали проблему цвета человеческого лица знаменитые художники-портретисты. Помимо всего перечисленного, они создавали в портрете законченный художественный образ, передавая через цветовой строй и фактуру мазка особенности характера и темперамента модели, своё к ней отношение. Этим и хороши портреты Серова: они все разные. А у Врубеля? Посмотрите, совсем не “телесным” цветом написано лицо Царевны-Лебеди или Пана, но эффект “живого лица” более чем убедителен. А знаменитые крестьянки Архипова? Совсем иной цвет и настрой, но тоже живая (да ещё какая живая!) плоть. А лица в картинах Крамского? Как можно обобщить всё это великолепие?

Иван Крамской (1837-1887) "Неизвестная"

Михаил Врубель "Пан"

Как видите, не бывает конкретного , точного рецепта при написании лица, нет такого “волшебного” цвета, который будет универсальным. Конечно, в продаже есть близкие по цвету оттенки: неаполитанская жёлтая и оранжевая, неаполитанская розовая, охра, английская красная и так далее. Но это всего лишь один из оттенков, а в каждом лице их множество: целый букет нежных цветных мазков-лепестков, отличающихся друг от друга на едва уловимый человеческим глазом цветовой нюанс, и контрастные, близкие к дополнительным цветам в цветовом круге, абсолютно разные по светлоте и насыщенности.

Михаил Врубель "Царевна Лебедь"

Валентин Серов "Девочка с персиками"

“Как этого добиться на занятиях живописью?”, - спросите вы. Ответ один - больше писать, тренировать глаз, видеть сложные цвета, и руку - намешивать их и близкие к ним оттенки. Живопись - не только приятное время провождение: теория цвета - целая наука. А чтобы уроки живописи не наскучили, можно ставить для себя разные задачи: по разному освещать модель (тёплым и холодным светом, сверху, снизу, сбоку), писать её на контрастном или родственном фоне, применять живописное или декоративное решение в работе, ограничивать себя по времени (20-30-минутные этюды; 1-2-часовые или многочасовые упражнения). Очень хороши, на первых порах, краткосрочные этюды (обязательно с натуры!) с живой модели. Это такие цветовые “нашлёпки” до 2 часов по времени выполнения, форматом до А3. Если выполнять их дисциплинированно - не выписывать детали, ловить себя на том, что пишешь не глаза, нос, волосы и губы, а форму лепишь цветом, делать их много и постоянно, учитывая цвет фона и рефлексов, то результат не заставит себя долго ждать. Вы сами увидите прогресс, когда после многочисленных подобных упражнений будете писать длительный, многосеансный портрет. Рука будет сама быстро и легко намешивать нужный оттенок, уже не будет грязных, “замученных” цветов или излишне “кричащих” (например: фиолетовые синяки под глазами или красные алкоголичные носы и уши, или напомаженные губы). Появятся тонкие, изящные цветовые гармонии и изысканные колористические решения.

Хорошо помогает в обучении портретной живописи копирование великих мастеров. Пусть с репродукции, но обязательно с качественной репродукции. При грамотном копировании: попадании в цветовые замесы, передаче фактуры и формы мазка, изучении моделировки формы, вы шаг за шагом пройдёте по пути мастера и поймёте особенности его творческого метода самостоятельно. Задачу для себя желательно поставить какую-либо одну, по вашему усмотрению: цвет в свету и тени, техника мазка, передача формы, исследование динамики ярких, сочных, насыщенных и малонасыщенных цветов, тональная шкала: от светлого к тёмному и так далее.

Ученица Настя Калистратова рисует портрет в Jotto Художественная Школа

Как и любое занятие рисованием, живопись портрета по своему интересна и увлекательна, а профессиональное мастерство в этом жанре всегда ценилось особо. Поэтому, попробуйте, пишите портреты с натуры (хотя бы себя в зеркало), в разных костюмах, ситуациях, образах, как это делал великий Рембрандт. Это очень увлекательное и глубокое занятие. А если хочется решить все эти вопросы наиболее быстро и эффективно под руководством педагога - приходите к нам на занятия курса портретной живописи и другие курсы рисования в Екатеринбурге. Будем рады помочь.

Масляные краски требуют особой технологической последовательности при работе с ними, это отличает масло от всех других видов красок и усложняет возможность их использования. Уроки живописи в учебных заведениях разной направленности нередко начинают именно с изучения технологии масляной живописи.

Чтобы нарисовать картину маслом, для начала, следует определиться с этапами её выполнения - именно тогда масляные краски проявятся во всей своей возможной полноте и результат занятия живописью будет ожидаемым и долговечным. Постараемся зафиксировать и выделить отдельные этапы работы при рисовании маслом и их характерные особенности, а также опишем, почему это так важно и чем чревато нарушение последовательной технологии живописи масляными красками.

1) Подготовительный рисунок.

Рисовать на холсте простым карандашом не желательно. Частицы графита подмешиваются к первым красочным слоям, загрязняя их. Поэтому, если создавать рисунок под масло карандашом, то стоит выбрать твёрдый диапазон грифеля или закрепить рисунок лаком для волос после завершения и перед введением масляных красок на холст. Но лак тоже может смешаться с красками, особенно если активно втирать краску в основу, будьте внимательны и осторожны.

2) Лессировки прозрачными красками.
Живопись маслом начинают с лессировок. Это первые прозрачные слои красок, которые остаются в таком виде до конца работы - их хорошо видно в теневых частях предметов (собственные и падающие тени) на картинах классических художников.
Во-первых, лессировки экономят материал - дозировано отпускают краску на холст, особенно в те места, где не нужна чрезмерная фактура и детализированная прописка. Во-вторых, и в главных, лессировки создают ощущение глубины и объёма на предметах в сочетании с корпусной пропиской с белилами. Это обязательно стоит учитывать. Художники прошлого, руководствуясь правилом первых прозрачных лессировок, создавали невероятные по передачи реалистичности в живописи картины. К сожалению, современные художники, особенно художники самоучки или те, кто не получил полного качественного художественного образования, пренебрегают этим. Поэтому их картины заметно теряют позиции, как по технологии живописи (сохранность картин, их качество и т.д.), так и по визуальному восприятию зрителем.

Подмалёвок подразумевает живопись полулессировочными и укрывистыми красками в сочетании с белилами в тех местах картины, где это необходимо (освещённые части предметов и некоторые полутени) - это особенно важно для так называемой тональной живописи (академической, классической), где точно переданные оттенки светлоты важнее разницы в цветовом тоне.
В стадии подмалёвка важно начать прописку и выявление цвето-тональных отношений в картине тонким слоем краски (белила и все кроющие пигменты жидко разводятся разбавителем или втираются в холст легко, без излишне-толстых наслоений краски).

Прописывать формы предметов и объектов тщательно пока не требуется - эта та стадия работы над картиной, где максимально точно закладываются все цвето-тональные отношения в картине с учётом освещения, глубины пространства и важности элементов картины (удалённость от главного второстепенного, выявление цвето-тональных акцентов и т.д.).
Прежде чем начинать прорисовывать детали и особенности формы, обязательно сравните между собой и с элементами натуры все цвета и оттенки картины - есть ли разница по цвету и тону между освещёнными и теневыми частями предметов, отличаются ли по цвету, светлоте и насыщенности предметы между собой, что главное в картине, по вашей задумке, и получилось ли это передать. Основная идея композиции и компоновки картины должна быть хорошо читаема уже сейчас.
На стадии подмалёвка не рекомендуется использовать мастихин для живописи и слишком фактурные кисти - отлично подойдёт мягкая щетина и упругие синтетические кисти средних размеров.
При выполнении подмалёвка не забывайте оставлять нетронутыми прозрачные тени и полутени предыдущего слоя, не перемазывайте их новым слоем краски - эта двойная работа только уничтожит характерное только для масляной живописи свечение теней изнутри.

5) Просушка.
Подмалёвок также высушивается до полного высыхания слоя краски - от 3 дней до 1 недели. Да, придётся подождать, чтобы снова взяться за работу над картиной. Чтобы не терять времени, профессиональные художники обычно рисуют 3 картины одновременно или более. Пока сохнет одна - пишем другую. Очень удобно и практично: можно рассчитать степень просыхания красок и скорость рисования картины увеличится, без технологических огрехов (за время отведённое для работы над одной картиной, можно успеть написать их 3).

Если краски на холсте много и её слой слишком укрывистый, сушить придётся намного дольше (обратите внимание, слой краски должен высохнуть полностью, а не только его верхняя часть, в виде плотной корочки). Проверить степень просушки красочного слоя можно при помощи пробы пальцем - краска не только не должна мазать, но и не должна продавливаться под нажатием, иначе есть шанс повредить верхний просохший слой при дальнейшей работе.

В живописи масляными красками это недопустимо технологически - разрыв верхней плёнки красочного слоя ведёт за собой выход на поверхность обеднённого (без масла и лака - они сформировали верхнюю плотную красочную корочку) красочного пигмента, а его использование ведёт к изменению цвета и фактуры в последующих слоях краски при высыхании. Если такое происходит, предшествующий повреждённый непросохший слой краски лучше полностью счистить мастихином и переписать заново.
После просушки поверхность полотна тщательно осматривается на предмет выявления пожухлостей и других дефектов. По мере надобности можно применить ретушный лак, льняное масло и другие подручные средства.

Читайте также: